Daniel Vargas

Nació: Lima, 10 de marzo 1978

 

Tema: Cotidianos de la calle y situaciones diarias

 

Movimiento: Realismo pop

 

Medio: Oleo sobre tela

 

Tamaño: 200 x 180 X 80 cm

 

Emoción:  Contemplación y recogimiento: En su exposición Contemplación de lo circunspecto, Vargas invita al espectador a detenerse y observar con calma. Sus musas y escenas urbanas generan una sensación de introspección y silencio.

Serenidad y afonía urbana: En Común Ausencia en la Urbe, sus ciudades deshabitadas transmiten una mezcla de calma y vacío, evocando la soledad de los espacios arquitectónicos y la nostalgia de lo urbano.

Intensidad visual: Su estilo de realismo pop con colores fuertes y contrastados produce un impacto emocional inmediato, despertando energía y vitalidad en el espectador.

Participación del espectador: Vargas otorga protagonismo a quien observa, generando una emoción de conexión y complicidad con la obra, como si el público fuese parte de la escena

                    

                    

                                        Instalacion, Laguna Turquesa, 2025

        Disfruta el Silencio, oleo sobre tela,  1.60 X100 cm, 2018

               Sin Titulo, oleo sobre tela, 70cm de diametro, 2022

                           En Transito, oleo sobre tela, 120x80 cm, 2023

                      Sin Titulo, oleo sobre tela, 60x80 cm, 2024

 Antonio Castañeda

Nacio: Porto Alegre, Brasil, 4 de julio 1988

Tema: El tema central en la obra de Antonio Castañeda es la crítica a la soledad contemporánea, el individualismo y las estructuras de poder, usando la pintura como un acto de resistencia.

Movimiento: La obra de Antonio Castañeda se inscribe en un cruce entre el neobarroco y el realismo crítico contemporáneo, con una fuerte carga de crítica social y existencial.

Medio: acrilico sobre tela

Tamaño 2 metros X 1.80 metros

Emoción: Melancolía existencial: Hay una tristeza contenida, casi ritual, que recuerda a escenas de duelo o contemplación espiritual.

Tensión y vulnerabilidad: Los cuerpos aparecen en posturas tensas, a veces fragmentados, como si resistieran una fuerza invisible.

Resistencia silenciosa: A pesar del dolor, hay una dignidad en sus personajes. La pintura se convierte en un acto de afirmación frente al olvido.

Sacralidad profana: En obras como Altar Vacío, se percibe una atmósfera casi religiosa, pero sin redención, como si lo sagrado hubiera sido despojado de esperanza.

Castañeda logra que el espectador no solo vea, sino que sienta el peso de la existencia contemporánea. Su arte no grita, pero tampoco calla: murmura verdades incómodas desde la penumbra.

Tradición pictórica como resistencia: Influenciado por el claroscuro barroco y artistas como Caravaggio, su obra reinterpreta técnicas clásicas para expresar conflictos modernos.

Comenzó estudios en la Facultad de Arte de la Pontificia Universidad Católica del Perú (PUCP) en 2008.

Posteriormente, se trasladó a Francia para estudiar artes plásticas y ciencias del arte en la Universidad de Sorbona en París, donde se graduó en 2012.

                

        Autorretrato en Halloween, oleo sobre tela, 50x38 cm, 2024

  El Mito de “el Pobre es Pobre Porque Quiere”, óleo sobre tela, 

100 x 150 cm, 2025. 

               Ladrar  o Callar, oleo sobre tela,  30 x4 40 cm, 2025 

                 Altar al Vacío, óleo sobre tela, 120 x 160 cm, 2025. 

Silvia Ricopa

 Nacio: Masisea, Ucayali, 18 de diciembre 1965

Tema: El tema central de la pintura de Silvia Ricopa es el arte kené, una expresión espiritual y cultural del pueblo shipibo-konibo que representa la conexión con la naturaleza, la sanación y la identidad ancestral

Movimiento: movimiento de arte indígena contemporáneo

Medio: acrilico sobre tela

Tamaño 200 X 180 x 80 cm

Emoción: artista shipibo-konibo, trabaja con el arte kené, un sistema de diseños geométricos que no solo embellece, sino que comunica estados emocionales y espirituales. Cada trazo está vinculado a cantos tradicionales, visiones chamánicas y plantas medicinales, lo que convierte su obra en una experiencia sensorial y emocional profunda. Sanación emocional: Los patrones kené están vinculados a rituales de limpieza espiritual. Al contemplarlos, se busca armonizar el cuerpo y la mente.

Tranquilidad y conexión: Las formas simétricas y repetitivas inducen estados de calma, similares a los que se alcanzan en meditación o contemplación.

Memoria y afecto: Sus diseños reflejan el legado femenino transmitido por madres y abuelas, evocando ternura, respeto y continuidad.

Resistencia y orgullo: En contextos urbanos, sus murales expresan fuerza cultural, identidad y dignidad frente a la exclusión.

Espiritualidad: El kené representa visiones chamánicas, sueños y cantos que conectan con lo invisible, lo sagrado y lo cósmico.

La simetría junto con la proporción y la armonía es vista como un reflejo del orden armonioso y perfecto del universo creado por Dios. La belleza de la simetría se ha interpretado como una manifestación de la sabiduría y el diseño de la divinidad. Filósofos señalan que a menudo cuando se representa a Dios o Cristo como símbolo de la verdad eterna o la justicia, se les da una vista frontal y simétrica. Esa simetría frontal les confiere la sensación de inmovilidad, solemnidad y estabilidad, cualidades asociadas con lo divino. 

La instalacion tiene una falda con bordado hecho con tela tocuyo teñida con tintes naturales y bordado con hilos de lana. La mesa esta pintada arriba y en la base

 

                                      Instalacion Esperanza 2025

 

                                                                                                

     Díptico, el de la izquierda, Hueso de Pescado, acrílico sobre tela, 29x31, 2024. El de la derecha, hecho sobre tocuyo teñido con tintes naturales bordeado entero con hilo de lana, 33x40, 2024

                                                                                                                                                                                                                                                               

Diptico, Xao Kene, diseño ancestral, izquierda, acrilico sobre tela, 2025,  32x38, derecho  acrilico sobre tela,30x32  2025

Falda Milenaria, bordado hecho con tela tocuyo teñida con tintes naturales y bordado con hilos de lana, 150x59 cm. 2024 

 

                        Ayahuasca, Bordado, 70x60 cm, 2025

 Jose Paredes

Nacio: Arequipa, 4 mayo 1983

Tema: Anarmorfosis, arte urbano, identidad

Movimiento: arte contemporáneo con énfasis en la anarmofosis, el arte urbano y el realismo tridimensional. 

Medio: oleo y tecnicas mixtas

Tamaño 2 metros X 1.80 metros

Emoción: Asombro y maravilla, sus obras anamórficas como Fortaleza Inca, fueron reconocidas como la pintura más grande del mundo en 2010, con una superficie de 828 m². Este tipo de intervención artística transforma espacios públicos en plataformas de expresión

Orgullo e identidad cultural, al representar iconos como Machu Picchu, danzantes andinos o símbolos ancestrales. Paredes conecta al público con sus raíces. Esto despierta un sentimiento de pertenencia y valorización del patrimonio cultural peruano.

Participación y juego, su arte invita a interactuar. El espectador no es pasivo; debe moverse, buscar el ángulo correcto y en ese proceso se genera una experiencia lúdica y emocionalmente activa.

Reflexión y conexión espiritual, algunas de sus obras, como Wiñay Llaqta, evocan lo sagrado de la cosmovisión andina. Esto puede despertar una emoción contemplativa, casi mística, al conectar con lo ancestral.

Alegria y celebración,  en festivales internacionales como el Dubai Canvas, su arte ha sido recibido con entusiasmo, generando alegría colectiva y admiración por la creatividad peruana.

Paredes es reconocido como el único artista peruano especializado en anamorfosis, una técnica que distorsiona la imagen para que solo se revele correctamente desde un punto específico. Esto le permite crear ilusiones ópticas que parecen saltar del suelo o las paredes.

        La balsa de la Medusa, oleo sobre lienzo, adherido sobre tabla                                     142.5 cm de diametro, 2017-19

Arequipa desde el Puente Chilina, oleo sobre lienzo adherido a tabla

                                        100x80 cm, 2917

Perros Salvajes, Zeus y Musa, oleo sobre tabla, 100x75.5 cm, 2016

                  Madre, oleo sobre tabla, 84x118 cm, 2016-17

 Julio Garay Terrazas

 Nacio: Lima, 5 de agosto 1962

Tema: paisasjes urbanos y paisajes oniricos

Movimiento: realismo y surrealismo clasico

Medio: oleo sobre tela

Tamaño: 90 x 80 x 200 cm

Emocion: Silencio, contemplación, tacto y textura emocional 

Sus obras invitan a una pausa reflexiva. Hay una atmósfera de recogimiento, como si cada trazo fuera una meditación sobre el tiempo, la memoria o la identidad. Garay, como grabador egresado de la PUPC, trabaja con técnicas como la xilografía, el gofrado y el intaglio, que generan superficies ricas en textura. Estas no solo apelan a lo visual, sino también a lo táctil, evocando emociones ligadas al cuerpo y al contacto. En su exposición Obra en Papel, el uso el papel como medio principal refuerza la fragilidad, la cercanía y la honestidad emocional. El papel se convierte en un espacio de confidencia, casi como una carta visual.Su exposición Obra en Papel en Monumental Callao refuerza su compromiso con el soporte como lenguaje emocional y conceptual. Garay no se limita a un solo estilo, sino que construye un lenguaje propio a partir de lo gráfico, lo urbano y lo simbólico. 

En el florero hay un grabado que fue expuesto en la Osten Biennial of Drawing 2016, que fue en la ciudad de Skopje en Macedonia del Norte. El grabado está en el catálogo en la página 187 del catálogo. Este grabado está impreso en una técnica mixta, son dos técnicas en realidad. Xilografía (la parte negra) y gofrado la parte de relieve.

   Instalacion Interactiva, Alla Donde las Viñetas son Como Flores, 2025

      Blanco Amanecer Limeño, oleo sobre tela, 100x120 cm, 2023

                      Camino, óleo sobre tela, 60x50 cm. 2013

                  La Ultima Lavada, oleo sobre tela, 100x120 cm, 2006

         Esplendor de Soledad, oleo sobre tela, 100x165 cm, 2022 

David Rejas

Nacio: Lima, 3 de noviembre 1982

Tema: realismo e hiperrealismo

Movimiento: Arte Conceptual y social

Medio: oleo sobre tela

Tamaño: 2 metros por 1.8 metros

Emocion: Sentir, cuestionar y reconectar con lo esencial

Su obra toca temas como la discriminación, la marginalidad o la identidad, sus obras despiertan una conexión emocional con lo humano, lo olvidado, lo vulnerable. A pesar de ser un pintor realista ha hecho pintura de vanguardia y conceptual, creando imagentes nunca antes vistas. Su merito es asombrar al espetador con su pintura. Fundador de colectivos como Galería Paralelo, Blend, Artem y White Noise Collective, que promueven la experimentación y el diálogo entre tradición y modernidad. Tambien hace pinturas por encargo, retratos de familias y con sus perros.  

                  Juventud y la Paz, oleo sobre tela, 142x98cm, 2025

                      Reflexiones, oleo sobre tela, 142x98, 2025

               El Papa de Velazquez, oleo sobre tela, 129x87, 2025
 

Jose Cortez

Nacio: Lima, 24 de julio 1959

Tema: abstracto

Movimiento: Abstracto expresionista, pintura de acción

Medio: Instalacion, acrílico sobre tela, sofa intervenido, mesa, florero, flor

Tamaño: 200 X 180 X 80 cm

Emocion: movimiento y energía

Es un representante del “expresionismo abstracto” y de la "pintura de acción", dominio excepcional del lenguaje visual. Igualmente  tiene un profundo homenaje a la figura humana. Tiene 40 años de actividad artística y ha expuesto en muchos países. El color y sus rápidas formas son la base de su arte.  Su obra se caracteriza por trazos intensos, colores vibrantes y composiciones cargadas de textura y pintura tirada con la técnica del  goteo. 

Las texturas superpuestas y las líneas gruesas transmiten una carga emocional que revela las luchas íntimas del sujeto. En obras como El Funeral o Carne y Pasión emergen los grandes temas de la condición humana, atravesados por el drama, la tensión y una melancolía que a veces se torna tristeza.

En su obra, cada color encierra una intención: el rojo arde en ira o pasión, el azul se sumerge en la reflexión o el duelo, y el verde se abre a la esperanza y al optimismo. Su pintura no busca formas reconocibles, sino que revela estados del alma, energía y movimiento íntimo

La obra de José Cortez mueve al espectador entre la energía de la vida (la pasión, vitalidad, fuerza) y la profundidad de los sentimientos humanos (la reflexión, tensión, sueños). 

                    Instalacion Interactiva,  Con Emocion, 2025

La Fenme Fatale, 200 x 210 cm, acrilico sobre tela, 2025

Soledad,  210 x 300 cm,  acrilico sobre tela, 2025

          Dedicado a Adriano, 165 x 230 cm, acrilico sobre tela, 2025

Where is Love ?, 200 x 220 cm, acrilico sobre tela, 2025